Les Chatelliers des ARTS: Craig Hanna : biographie

mercredi 13 octobre 2010

Craig Hanna : biographie

Né en 1967 à Cleveland aux USA, H. Craig Hanna est un peintre New-Yorkais de formation – Fine Arts Syracuse University, Fine Arts School of Visual Arts , New-York Academy of Figurative Art.

Il expose son travail dès l’âge de 29 ans et très rapidement, ses oeuvres rencontrent un vif succès.
En 1998, un étage entier lui est réservé chez Bergdorf Goodman, puis il expose à Londres, à Hong-Kong, à Malte où il vécut une période de sa vie.

MARC pastel gras et lavis sur papier 29X39

Il vit ensuite à Londres et expose actuellement à Paris où Laurence Esnol Gallery montre ses oeuvres en pernamence et en exclusivité mondiale.

PATRICK pastel gras et lais sur papier 29X39

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A PROPOS DE "ERRO"

Gudmundur Gudmundsson – qui prendra plus tard le pseudonyme d’Erró – naît en 1932 à Ólafsvík, dans le nord-ouest de l’Islande. Admis à l’école des Beaux-Arts de Reykjavík en septembre 1949, il obtient le diplôme de professeur d’art au printemps 1951. En 1952, il se rend en Norvège où il étudie la gravure, la fresque et la peinture à l’académie à Oslo. Sa première exposition personnelle a lieu en 1955 à Florence, galleria Santa Trinità.En 1958, il se fixe à Paris où son travail est révélé dans le cadre de la Figuration narrative. Au cours de ses voyages à travers le monde entier, Erró collecte des images (publicités, photos d’actualité, bandes dessinées, affiches, documents politiques) qui sont sa source d’inspiration. Il les choisit, les assemble, les accumule selon son bon plaisir – toujours avec humour, parfois avec angoisse et violence – sur les toiles pour former des tableaux qui sont autant à lire qu’à voir. La peinture est un lieu d’expérimentation, où il peut faire du vieux avec du neuf. Elle est la forme privée de l’utopie, le plaisir de contredire, le bonheur d’être seul contre tous, la joie de provoquer. Il révèle et dénonce les aberrations de notre société : consommation dirigée, érotisme mercantile, révolutions, américanisation de l’existence…Dans certaines de ses compositions, il insère habilement des personnages de toiles de Ingres, Delacroix, Léger ou Picasso, lesquels se retrouvent cohabitant avec des stars du cinéma, des hommes politiques ou des héros de bandes dessinées.Souvent, il travaille par séries : cycles chinois, politiques, érotiques. J’ai besoin de matériel efficace et, au cours de mes voyages, je fouille partout chez les soldeurs de livres, dans les kiosques.J’accumule une quantité énorme de matériel, et lorsque j’ai réuni beaucoup d’images se rapportant à un thème, c’est signe de commencer une série. Le processus consiste ensuite à sélectionner les images, à les “marier” ensemble pour en faire des collages, puis des tableaux

a propos de Ben

Ben, pseudonyme de Benjamin Vautier, né le 18 juillet 1935 à Naples en Italie, est un artiste français d'origine suisse.Il acquiert la notoriété auprès du public dès la fin des années 1960, à travers notamment ses « écritures » déclinées sous divers supports et diverses formes. Faisant partie de l'avant-garde artistique post-moderne, Ben est l'un des principaux fondateurs du groupe Fluxus et proche du lettrisme. Il est un artiste reconnu pour ses performances, installations et écritures.

ANTONIO SEGUI

Antonio Seguí est né le 11 janvier 1934, à Córdoba en Argentine. Il arrive en France en 1951 pour étudier la peinture et la sculpture. En 1952, il part aussi étudier en Espagne. En 1957, il fait sa première exposition individuelle en Argentine. En 1958, il effectue un long voyage dans toute l'Amérique du Sud et l'Amérique centrale, avant de s'installer au Mexique, où il étudie les techniques de la gravure. En 1961, il retourne travailler en Argentine, avant de partir définitivement à Paris en 1963. La peinture figurative de Segui se développe par séries. Dans les années soixante et soixante dix, le peintre aborde, de façon satirique, l'histoire de l'Amérique Latine. Depuis, les séries sur les paysages de Paris, les paysages de New-York, les parcs nocturnes témoignent d'une oeuvre qui n'est pas étrangère à la bande dessinée...

JOHN MATOS CRASH

Il commence le Graffiti très jeune sur les trains New-Yorkais avant de s'exercer sur les toiles. Il intègre dès 1983 la galerie Sidney Janis avant de faire son entrée dans les plus grandes collections mondiales du MOMA de New York au Stedelijk Museum d' Amsterdam. Il apparait au grand public en co-produisant avec Keith Haring la campagne publicitaire, Peter Stuyvesant. Il se fait connaitre en France en participant à l’exposition 5/5 Figuration Libre, France-USA au Musée d’art moderne de la Ville de Paris en 1984. Cette exposition mettait en regard le travail d’artistes tels que Basquiat, Boisrond, Combas, Keith Harring, Tseng Kwong Chi, Di Rosa… et John Matos Crash. En 1996, il peint cinq guitares d'Eric Clapton Stratocaster don l'une part à $321,100. En juillet 2006, il expose au Brooklyn Museum. En 2007, Secret Story utilise une de ses pièces pour créer l'Oeil de la franchise. En 2010 et 2011, il expose à la galerie Addict et en novembre 2012, à la Galerie Brugier Rigail

JONONE

Figure incontournable de l’art urbain, JonOne utilise la peinture à l'huile de manière non traditionnelle, jusqu'à ce qu'elle devienne matière. La matière d'un mur en ruine, la matière de la peinture « Lorsque j'ai vu la rétrospective de Willem de Kooning au MoMA en 2011, j'ai eu un choc : face à ses toiles, je me voyais. Je pouvais ressentir la force qu'il mettait dans sa peinture, il entrait pleinement dans ses toiles, de tout son corps. Il éradiquait la distance entre lui et sa peinture. Ma peinture est corporelle, dans l’action : il y a du punch. C'est lié à l'énergie des couleurs que je voyais sur les trains peints à New York, comme le surgissement d'un flash de peinture dans la ville. Dans les années 1980, le métro était comme un musée qui traversait la ville. Mon style est lié à ce mouvement et à la vitesse de la peinture. J'aime que les gens soient déstabilisés et déséquilibrés devant mes tableaux. En peignant, je crache la rage qu'il y a en moi. (...)

FUENTES FUERTES

Rubén Fuentes Fuertes (Valence 1979) est un «architecte» des formes, un sculpteur contemporain dont les œuvres sont créées par un ensemble de volumes combinés en surface se déplaçant entre figuration et abstraction et de causer un grand impact visuel. Prendre le bois comme matière première, explore son potentiel expressif, leurs qualités et leurs textures, combinant des fragments dans un collage avec un artisan manipulé pour finalement créer une œuvre d'art unique. Constructiviste dans la forme, picturale sur les couleurs qui ornent chaque sculpture, ce qui correspond à une époque où rien n'est permanent, tout change. Ses œuvres sont également un processus continu de métamorphose. Après des études à la Faculté des Beaux-Arts de Valence, depuis 2002, il a fondé sa propre étude de la peinture et de la sculpture dans la même ville. Expert en gravure et la gravure son travail a toujours une relation étroite avec la matière première: le bois et la couleur. Plus jeune artiste à l'exposition Art et Mode Biennale de Valence, a exposé dans plusieurs pays d'Amérique du Sud et en Europe.

Benjamin GIRARD

Né en 1976, vit et travaille à Paris. Prendre forme, image ou mot et les injecter dans la peinture. Les rendre en allant à l’essentiel, tout dire en peu de lignes, de couleurs ou de phrases. La peinture de Benjamin Girard est toute contenue dans les regards des personnages qu’il portraiture. Le tableau fini est le fruit d’un état de perceptions augmentées qui touche à l’indicible et laisse tout le charme de la touche colorée opérée d’elle-même sans artifice : peindre.

SMAEL

Smael s'est fait connaître en 1998 à Rio de Janeiro ou il est devenu le "porte-parole" des graffeurs ("graffiti carioca") et l'interlocuteur des pouvoirs publics avec qui il a entamé une véritable concertation "Pour moi et d'autres, un graffeur ne doit jamais agresser le patrimoine architectural. Voyant qu'on s'y tenait, les autorités se sont adoucies et nous ont autorisé le béton style pont routier". Résultat: en 2008, le gouvernement brésilien a dépénalisé le graf urbain ! Depuis, Smael a exposé un peu partout au Brésil mais aussi aux Pays-Bas, en Belgique et aux USA (en 2009, il a participé à l'Art Basel de Miami, l'une des plus importantes foire au monde en matière d'art contemporain et de design.

PIERRICK ALLEMAND : LA BIO

Né en 1973, vit et travaille à Paris. Diplômé des Beaux arts de Toulouse, Pierrick Allemand est un peintre figuratif, spécialisé dans la fresque à l’ancienne qui est très vite influencé par les années 50, les années 30, la vieille europe ou l’amérique contemporaine. Les scènes de vie, les villes, les rues de New York , de Barcelone ou de Paris. Une fille sur une moto, une comédienne dans son décor, toutes ces scènes qui représentent une certaine vibration proche de la BD ou du dessin d’animation. L’art est plein de ces correspondances à travers le temps et l’espace. Nombreuses expositions à Paris, New York, Londres, Luxembourg et Bruxelles.

Philippe PASQUA

Philippe PASQUA s’est imposé au fil d’un itinéraire hors norme comme l’un des artistes majeurs de sa génération. Dire d’une œuvre contemporaine qu’elle dérange est attendu. La peinture de Pasqua, on la reçoit comme un choc physique mais aussi comme une vision à la fois explosive et incisive. L’amplitude des gestes de l’artiste - une danse ou alternent brutalité et finesse, transe et lucidité – commande le format monumental de ses toiles. Il pose la base de sa peinture sur l’observation et élabore un monde, ou plutôt une vision du monde, qui dérange, met mal à l’aise, mais connaît le succès dans le monde entier. Il expose à Paris dans les années 90, puis ses œuvres sont réclamées par l’étranger et Philippe PASQUA se retrouve dans les galeries des Etats-Unis, de Hong Kong, Mexico, Londres ou Hambourg. Sa peinture met en scène la chair et livre sans concession des visages et des corps nus, ou le rouge envahit les traits. Sa peinture est représentative et offre des figures dont la violence happe le spectateur. Aujourd’hui, Philippe Pasqua travaille seul dans son atelier, d’après des photos de modèles, et ses toiles font partie des œuvres les plus appréciées lors des ventes aux enchères.

THIERRY ALONSO GRAVLEUR

GRAVLEUR ne peint que des visages car de ces visages naîtront un jour des corps. De ces visages, il en peint les forces et le silence. Le regard aussi qui les irradie ou les transperce, cette lumière qui s’inscrit dans les traits. Peut être peint il l’énigme que constitue tout visage ? Il dit « dans ma manière de travailler il n’y a pas de règle…je ne fais pas de portraits...je ne cherche pas à préméditer quoique que ce soit…à la fin, le visage n’est plus un sujet....je me débarrasse de toute anecdote. On ne peut le comparer à aucun autre artiste, car aucun autre artiste n’a jamais perçu, ni ne nous a amené à percevoir comme il le fait. Thierry a de qui tenir, son père Angelo ALONSO était peintre et réfugié espagnol. C’était un intime de Nicolas de Stäel et de Cioran qui disait de lui qu’il « déroutait avec charme ». Avoir l’occasion de rencontrer l’œuvre de Thierry Alonso Gravleur est assez rare car il n’expose depuis des années qu’à Paris rue Mazarine ou aux Etats-Unis comme lors de l’exposition co-organisée par son ami Jonny Depp en 2006 à la Trigg Ison Gallery de Los Angeles.

CHRISTOPHE FASOLATO

Faso a un univers pictural bien à lui. Un regard sur le monde, en suspension entre Vie et Mort, Comédie et Tragédie. Ces personnages issus de rencontres de tous les jours lors d’un trajet dans Paris par exemple, prennent une dimension presque de l’ordre du sacré quand Christophe Faso les fait ressurgir de sa mémoire sur la toile. Ils sont là devant nos yeux en train de jouer un acte dont l’issue peut nous être fatale ou bien agréable, triste ou burlesque, tendre ou ironique. Véritable tour de force pour l’artiste de nous maintenir, nous spectateur sur le fil du rasoir, entre deux univers, deux sentiments sans jamais basculer. Une facture picturale chargée, il recouvre inlassablement la surface de la toile jusqu' à obtenir une matière qui force le regard, qui le contraint à ne pas se détourner du sujet. Une peinture et un geste à bout de souffle, une écriture qui tient en haleine, s’affirme puis s’efface, ressurgit et disparaît, des personnages surdimensionnés, désarticulés, aux allures un peu penaudes parfois. Mais de quoi nous parle t-il Faso ? De l’humanité peut être.